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]]>Sin embargo, las oportunidades de conseguir una igualdad real son todavía escasas porque muchos de los marcos prejuiciosos y excluyentes siguen prevaleciendo hoy en día. En América Latina esto se ha debido en parte al sexismo y también a que el sistema juzga la calidad de la obra de los artistas en función de la visibilidad y el éxito. Por desgracia, a las mujeres se les ha negado siempre la posibilidad de medrar en este escalafón.
Actualmente se pueden ver reconocimientos como es el caso de la artista feminista mexicana Mónica Mayer. Desde la década de 1970, la artista estuvo en gran medida ausente del sistema artístico, pero en 2016 recibió un merecido reconocimiento en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de Ciudad de México en 2016.
Un prejuicio muy extendido es que las mujeres artistas no son tan buenas como los hombres y de ello se deriva la incapacidad de plantear la pregunta más crucial en este campo: ¿Qué mujeres artistas ha habido a lo largo de la historia?
En el siglo XX, las artistas latinoamericanas han participado activamente en el lenguaje artístico que les ha tocado vivir. Sin embargo, en los textos teóricos y en las propias exposiciones de historia del arte que han servido de grandes referencias en el campo, son los hombres quienes aparecen como grandes configuradores de la historia del arte. Sólo un puñado de mujeres han sido elegidas para representar el campo artístico en general y estas figuras han sido destacadas una vez tras otra vez:
Esto quiere decir que hay cientos y cientos de mujeres artistas que son una parte íntima e importante de nuestra historia representadas por menos de dos decenas. Las corrientes más populares en las que la figura femenina ha tenido voz son el surrealismo, la abstracción geométrica y, más recientemente, el arte pop. La abstracción, en particular, resulta cómoda por su aparente neutralización o ausencia de cuestiones de género.
A nivel internacional se han realizado varios estudios sobre el arte latinoamericano que han dado forma a este campo. Uno de ellos: Arte en América Latina: The Modern Era, 1820-1980 presentaba obras de 155 artistas, de los cuales sólo doce eran mujeres.
Por otro lado, la celebración del quinto centenario del descubrimiento de América dio lugar a una serie de exposiciones que continuaron la tendencia de mostrar sólo unas pocas mujeres artistas, que por lo general entraban dentro de la escueta lista que aparece más arriba. Otro ejemplo fue una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1993, que incluía obras de noventa y cinco artistas, de los cuales sólo catorce eran mujeres.
Entre los estereotipos que han definido a las mujeres artistas en Latinoamérica se encuentra el uso de su propia invisibilidad, una venenosa convicción de que no son buenas artistas y, por tanto, no han existido. No es extraño que mujeres artistas como Mercedes Pardo o Lola Alvárez Bravo, esposas de reconocidos artistas han sido eclipsadas totalmente por el simple hecho de ser sus parejas.
Otro estereotipo muy extendido es el de ser una mujer loca, histérica y víctima, como se dio en el caso de Frida Kahlo y, en ocasiones, de Ana Mendieta. Además de ello, tampoco es raro escuchar que las mujeres son malas artistas basándose en la idea de que su estética suele ser insípida y desagradable y que los temas que abordan no tienen importancia. Por último, otro concepto que se ha generalizado de forma errónea es que el papel de las mujeres como madres les impide ser artistas relevantes y comprometidas. Desde luego, estos son los estereotipos más extendidos, pero sin duda habrá muchos más que ni siquiera se tienen en cuenta.
Sin lugar a dudas, durante la historia ha sido muy común que los artistas masculinos se burlasen de sus colegas femeninas, contribuyendo a su aislamiento e invisibilidad. Sin ir más lejos, Álvaro Barrios, en una entrevista con Miguel Ángel Rojas para su libro titulado “Orígenes del arte conceptual en Colombia”, habló en contra Sara Modiano.
Barrios utilizó el ejemplo de la supuesta desaparición de Modiano de la esfera del arte público alrededor de 1987 para demostrar su falta de relevancia y compromiso con su arte. En realidad, la artista nunca dejó de trabajar, y la prueba de ello son las numerosas ideas y dibujos que siguió desarrollando en sus cuadernos.
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]]>Si uno se fija bien en los casinos físicos, encontrará el uso de otras estrategias como la ausencia de ventanas y de relojes en las paredes, para que los jugadores no sepan nunca qué hora es o para dar la sensación de que el tiempo se ha detenido. Sin embargo, está demostrado que los estímulos visuales pueden llegar a aumentar el tiempo de juego y potenciar las apuestas según factores tan simples como la tonalidad de los elementos. Estas características son observables tanto en lugares físicos como en casinos online.
Uno de los colores más predominantes que se pueden encontrar en el interfaz de cualquier portal web dedicado a este particular entretenimiento, sin lugar a dudas es el dorado. No es de extrañar si uno piensa en la cantidad de similitudes que se le pueden sacar a este color. La gente suele asociar las cosas doradas al dinero, al oro a las fortunas… Además de ello, las tragaperras online suelen utilizar sonidos de cajas registradoras, el tintineo de las monedas o directamente utilizan muchos dibujos de monedas apiladas.
Otro elemento muy común son los gnomos, aquellas criaturas diminutas de la mitología de Europa del Norte que habitan el subsuelo custodiando tesoros y piedras preciosas y robando a personas avariciosas. Desde luego, es una implementación muy oportuna para el mundo de los casinos, por lo que la combinación de dorado y verde también se puede observar con mucha frecuencia. Además de ello, tampoco es extraño observar rubíes, zafiros y esmeraldas en sendas fortunas debido a que poseen colores muy reconocibles y vivos: el rojo, el azul y el verde.
El mercado online, por el hecho de carecer de presencia física, suele volcar casi todas sus estrategias en las tácticas psicológicas y los estímulos visuales. Las emociones están estrechamente relacionadas con las tonalidades y algo en lo que se centran la mayoría de salones de apuestas es en evitar vertientes depresivas. Por ello, la mayoría de casinos tratan de utilizar colores fríos lo menos posible, otorgando a los tonos cálidos casi todo el protagonismo.
Como comentábamos más arriba, el rojo el amarillo (o dorado) y el verde son de los colores más utilizados en las tragaperras. Si lo analizamos mejor, podemos llegar a la conclusión de que el rojo significa advertencia en todo el mundo, el amarillo, además de las connotaciones de riquezas, atrae mucho la atención y el verde se relaciona automáticamente con que todo marcha bien.
Además de las fortunas y los gnomos, existen muchos otros tipos de asociaciones con las tragaperras. Una muy clásica son los colores y formas de frutas para los diseños, todo el mundo que ha jugado alguna vez a las tragamonedas sabe a lo que me refiero. La fruta tiene colores muy vivos y atrayentes de por sí, pero los dibujos que suelen utilizar son especialmente chillones. Las manzanas rojas, las peras verdes, los limones amarillos… dan una oferta visual atractiva y hace que los jugadores distingan perfectamente los tipos de símbolos que hay.
Estos dos colores destacan, sin lugar a dudas, por la elegancia que transmiten, en especial cuando se añade el blanco a modo de base. Existen multitud de juegos de casino que hacen uso de ellos, para muchos los juegos de cartas como el póker son lo que más les acerca al ambiente de casino. Los corazones y diamantes son de color rojo y los tréboles y las picas negros. Además de ello, los palos se sitúan sobre una carta blanca y las mesas suelen incluir tapetes verdes, que ya habíamos comentado su importancia en los casinos.
Por otro lado, la ruleta es otro de los juegos insignia que representan las casas de apuestas. Da igual qué tipo de ruleta sea, la americana, la ruleta europea o la francesa, todas ellas distribuyen el color negro y rojo a lo largo y ancho del tablero y la rueda. Si hacemos la suma, encontramos 36 números, de ellos la mitad son rojo y la otra mitad negra. Además de ellos, el cero y el doble cero son de color verde, por lo que estamos jugando de nuevo con la misma combinación de colores.
En definitiva, las reacciones de los humanos a los colores son las mismas sin depender ni siquiera nuestra cultura. El cerebro cuenta con reacciones automáticas que no podemos controlar y los diseñadores de los juegos lo saben. En los casinos se apela a la emoción y a mensajes universales para atraer la atención de los jugadores de modo que sigan apostando, las apuestas sean más elevadas y pasen en los casinos el mayor tiempo posible.
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]]>Los cambios políticos y económicos que vinieron con la industrialización provocaron una reacción de desmitificación de lo real. La mirada del artista se vuelve hacia personajes anónimos que cuentan una historia paralela a la oficial.
Para comprender el arte contemporáneo es importante pasearse por algunos temas que ayudarán a tener una noción completa de esta etapa. A continuación, desarrollamos puntos clave que describen el contexto histórico que lo acompaña.
Hacia 1830, el nacimiento de la industria planteó un futuro prometedor junto con diversas problemáticas inherentes al cambio. En el proceso de industrialización, los trabajadores vivían una situación inhumana. Las condiciones de seguridad e higiene más básicas eran pasadas por alto.
Las obras contemporáneas reflejan el sufrimiento de la clase trabajadora. El realismo artístico muestra escenas de la vida cotidiana que relatan la dureza de este nuevo orden donde las personas más humildes tratan de tener un lugar. Se representa una realidad que ha perdido la virtud. Una sociedad ausente de sí misma, vaciada de su propia humanidad para llenarse de cargas horarias excesivas.
Las artes visuales de la época también criticaron el establecimiento de dos esferas sociales: el proletariado y la burguesía. El maltrato de los patronos hacia sus obreros logró formar una brecha que dividía a estas dos clases. Los burgueses eran los dueños del capital, mientras que los proletarios funcionaban como fuerza de trabajo.
Paradójicamente, la diferencia entre ambas contribuyó a incrementar las exigencias del proletariado y mejorar su calidad de vida. Honoré Dumier es uno de los representantes del arte contemporáneo que mejor representa las acaloradas luchas obreras.
Otro punto a considerar es la abolición de la esclavitud en los siguientes territorios:
Para la clase obrera, sus héroes y líderes eran anónimos. El proletariado era concebido como una masa, su fuerza procedía del carácter colectivo. Así era representado en el arte moderno. Gustave Courbet fue uno de los artistas pictóricos que plasmó esta organización social monolítica.
En sus pinturas, se describen escenas de grandes grupos de trabajadores saliendo de las fábricas o hacinados en el transporte público. Asimismo, los grabados tienen gran importancia en el arte contemporáneo. La gran revolución de la comuna de París en 1871 quedó registrada en pequeños grabados publicados en revistas y periódicos franceses.
El desarrollo de nuevas tecnologías plantea un nuevo reto para las artes plásticas. La invención de la cámara fotográfica, la luz artificial y el posteriormente el inicio del cine hizo que los artistas se preguntaran. ¿Para qué sirve el arte? De modo que para justificar su utilidad buscaban fundamentos científicos.
El movimiento impresionista y el triunfo de la sencillez en el arte fueron las respuestas que dió el arte contemporáneo a esta pregunta. Una representación experimental que tenía el objetivo de emular la incidencia de la luz en el ambiente tomando como referencia la visión del ojo humano. Su técnica se basaba en utilizar pequeñas pinceladas de colores puros para simular el efecto lumínico sobre los objetos.
La identidad es un tópico que se difumina en el arte contemporáneo. Incluso, es una de las categorías que los artistas cuestionan en sus obras. La identidad se pierde en medio de la masa que se acumula en las grandes ciudades industrializadas.
El individuo ya no es el centro del saber como en el Renacimiento ni del sentir como en el Romanticismo, ahora su valor se mide por la capacidad de generar riqueza. Es por esto que vemos gran cantidad de arte que representan multitudes, personas desconocidas o situaciones provocativas como El origen del mundo de Courbet. No importa quién, sino qué es lo que se critica, confrontar lo real.
Otra de las razones por las cuales se desvanece la identidad en el arte contemporáneo es la nueva distribución poblacional. El campesinado empezó a desplazarse hacia las ciudades donde era sencillo obtener trabajo estable. Aunado a ello, las mujeres también tenían acceso al mundo laboral en las fábricas.
Una segunda fuente de mano de obra provenía de emigrantes europeos que dejaban sus países por la escasez de alimentos o la intolerancia. Es el caso de los judíos, los alemanes, los irlandeses, los hugonotes de Francia y algunos flamencos. En vista de este éxodo campesino, un artista llamado Jean-François Millet exalta la vida rural en sus pinturas que aún se conservan en el museo de arte contemporáneo en Europa.
Todas las transformaciones que hemos mencionado no tuvieron un mal término. La revolución industrial generó un reacomodo social que finalizó con el establecimiento de la jornada laboral, el salario, la protección a los niños y el descanso dominical.
En cuanto al progreso tecnológico, se pueden mencionar innumerables beneficios para la humanidad. La creación de la máquina de hilar para hacer textiles, la invención del ferrocarril, el barco a vapor, la máquina de escribir, los automóviles, el teléfono, la bombilla y la bicicleta.
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]]>La representación artística moderna de Argentina surge de la confluencia y el intercambio. A continuación, haremos un recorrido por distintos momentos de la historia del arte argentino que relata la consolidación de una expresión estética única en el mundo.
En el siglo XIX se abre una nueva etapa de apertura artística en Argentina. Se instaura un nuevo orden y la nación empieza a tener un semblante propio. En este sentido, el arte argentino se dispone a plasmar el rostro naciente de la nación, sus costumbres e ideologías.
Las tendencias de este período se encuentran marcadas por artistas argentinos dedicados a hacer grabados y litografías.
Las cualidades del arte argentino del siglo XIX destaca por algunas técnicas y temas de interés específicos que se desarrollaron en esta época:
Hubo un grupo de artistas conocido como Los precursores: Juan Mauricio Rugendas, Auguste Raymond Quinsac de Monvoisin, Fernando García del Molino, Carlos Morel, y César Hipólito Bacle.
En la segunda mitad del siglo XIX destacaron: León Pallière, Ignazio Manzoni y el mejor pintor del momento Prilidiano Pueyrredón. En el periodo finisecular el arte argentino toma un carácter propio que logró concretarse con Eduardo Sívori, Ernesto de la Cárcova, Ángel Della Valle, Pío Collivadino y Reinaldo Giudici.
Se produjo una fijación de los principios artísticos promulgados por la Academia de la Sociedad Estímulo que se nacionalizó en 1905. A ella pertenecía un cúmulo de los artistas antes mencionados. Estos tuvieron un rol de pedagogos, pero luego el impresionismo y la vanguardia tuvieron un desenlace particular en el arte argentino.
Algunas de sus características se concentran en los movimientos de vanguardias. Entre ellos:
Debido a que fue una época muy prolífica se puede construir una larga lista de artistas argentinos. Sin embargo, mencionaremos algunos nombres destacados. De los impresionistas: Martín A. Malharro, Pío Collivadino, Cesáreo Bernaldo de Quirós, y Fernando Fader.
Del posimpresionismo podemos nombrar a : Ramón Silva y Valentín Thibón de Libián. Del arte político – social perteneciente al grupo Barracas están: Adolfo Belloq, Agustín Riganelli, Abraham Vigo y Guillermo Facio Hébequer.
El grupo de la Boca estaba presente simultáneamente con Fortunato Lacámera, Víctor Cúnsolo, Carlos Victorica, Alfredo Lázzari, Eugenio Daneri y Juan Del Prete. Del arte argentino surrealista: Antonio Berni, Vicente Forte y Leopoldo Presas.
La expresión artística se va a deslastrar de los condicionantes externos. La crítica social es casi imperceptible en el siglo XXI. Por ende, encontraremos manifestaciones más introspectivas. No existen escuelas, asociaciones o grupos que proclamen una tendencia concreta en el arte argentino.
La lucha de clase, las denuncias políticas y los síntomas de cambio político-sociales impregnan este siglo artístico en curso. Entre algunas tendencias podemos mencionar:
Entre los artistas argentinos del siglo XXI de mayor renombre están Norma Bessouet, Gustavo Cabral, Nicolás García Uriburu, Raquel Partnoy, Miguel E. Dávila, Cecilia Lueza, Verónica Di Toro y Dario Arbina.
Si bien el arte argentino estuvo atravesado por la influencia extranjera, consiguió definir un carácter original. El surrealismo que emergió en este país desarrolló unas técnicas muy particulares que lo diferenciaron del europeo.
Así como el surrealismo, cada expresión artística logró capturar una esencia que se fue formando a través de los años que no niega su procedencia mestiza.
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]]>Actualmente, existe una categoría dedicada solo a slots con temática japonesa. Sus motivos van desde el arte milenario de Japón hasta películas de anime y aventuras futuristas. ¿Quieres saber más sobre esta expresión artística? ¡Acompañanos!
El arte japonés tuvo una amplia difusión a finales del siglo XIX e inicios del XX en Europa. Sin embargo, uno de los principales participantes del consumo de objetos japoneses en Latinoamérica fue la élite argentina en este mismo periodo. Se filtró en distintos ámbitos del entretenimiento, la educación y la decoración
Justamente. El arte japonés tuvo una gran relación con la industria del juego y el entretenimiento. Incluso, si vives en Argentina, puedes encontrar tu versión favorita de máquina tragamonedas online en estas páginas. Te presentan algunos casinos completamente seguros en el país.
Pasando a un poco de historia del arte japonés y su relación, en estas fechas Argentina trabó relaciones comerciales con Europa, Asia y Oceanía, a partir de lo cual se despertó un interés por el exotismo del arte en Japón. Las familias implicadas en dichos acuerdos de exportación fueron las principales donantes de este tipo de arte al Museo Nacional de Arte Oriental y al Museo de Bellas Artes.
Estas relaciones se han expandido y han entrado a diferentes tipos de círculos de la sociedad. En la actualidad, los juegos de casino y los videojuegos han tenido una gran preponderancia en esta área.
Los casinos online han sido un centro de atracción de diferentes tendencias artísticas. La industria del entretenimiento ha tomado ciertos elementos distintivos de la cultura de masa, apropiándose de ellos y creando nuevas tendencias en el mercado.
Pareciera que los medios de comunicación y el arte son categorías en disputa, pero ambos han tenido una relación histórica muy estrecha. Precisamente, la fascinación por el arte japonés tuvo lugar en el imaginario occidental gracias a las revistas y periódicos que informaban sobre este tópico. Lo propio han hecho los casinos.
Entre 1915 y 1930 hubo un extenso catálogo de prensa que se dedicaba a ello en Argentina. Por ejemplo, El Hogar, Saber Vivir, La Nación y Plus Ultra. En Francia, la revista Le Japon artistique también tuvo un papel primordial en la difusión del arte de Japón. Incluso, se editaron versiones en inglés y alemán.
Los medios de comunicación tuvieron protagonismo en el conocimiento del arte japonés en Estados Unidos y Australia debido a estas iniciativas del periodismo escrito.
Hoy en día, el internet es uno de los canales masivos de distribución de manifestaciones artísticas. El anime, los cómics. las series, las películas y los libros han encontrado un proceso de divulgación relevante.
El arte en Japón se remonta a la época prehistórica. Proviene de una cultura milenaria forjada por diversos pueblos del norte de Asia y algunos polinesios. Como todo arte asiático, se encuentra atravesado por lo sagrado y la tradición.
Las corrientes religiosas más palpables en las manifestaciones artísticas japonesas son el budismo y el sintoísmo. Entre sus obras arquitectónicas y escultóricas destacan los templos, santuarios y monumentos dedicados a Buda.
El arte japonés evolucionó paulatinamente hasta convertirse en un privilegio aristocrático. Por tanto, muchas de las piezas que se conservan en la actualidad pertenecieron a emperadores y familias del alto mando militar.
Una parte del terreno artístico está enfocado en la armonía de la naturaleza. Del arte nipón viene el paisajismo, que es la estética de los jardines. En los templos era primordial que el elemento natural transmitiera paz mental y equilibrio.
El arte en línea está compuesto por todas las representaciones que se han digitalizado. En esta categoría se incluyen, videojuegos, películas, series, literatura y tragamonedas. Las características que definen al arte japonés online son las siguientes:
Las tragamonedas japonesas siempre acaparan el arte nipón online. Esto se debe a que se inspiran en temáticas conocidas por todos. Es emocionante tener acceso a un juego divertido que incorpora personajes tan emblemáticos de tus series o películas de anime favoritas.
En el 2022 ya existe una oferta casi infinita de slots online que, además de deleitarnos con la estética japonesa, tienen un retorno lucrativo. Unas están repletas de luces, con un estilo de Tokio, bastante futuristas y tecnológicas.
Asimismo es posible toparse con tragamonedas de arte japonés tradicional. Con tema de dragones, geishas y samurais. Para aquellos amantes del arte kwaii pueden hallar un montón de opciones formidables.
El origami, el paisajismo, los bonsai e incluso la comida japonesa como el sushi o el ramen están presentes en el arte de las tragamonedas japonesas. Un mundo místico y estimulante te espera con el arte online nipón.
Sin duda, el arte en Japón es una de las ramas más ricas del mundo. Sus expresiones van desde la seriedad espiritual y el deber religioso hasta el universo creativo del anime. Es una mezcla que puede generar gran interés en el público.
Ahora, con las tragamonedas se ha inmortalizado el arte japonés. De una manera entretenida y estéticamente impresionante puedes disfrutar de las mejores creaciones gráficas del arte online.
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]]>Las subastas de arte llaman la atención tanto de artistas profesionales como amateurs, ya que son eventos en los que se ponen a la venta obras artísticas al mejor postor, pero lo cierto es que la mayoría del público en general desconoce cómo funciona una casa de arte. Por eso en este artículo vamos a profundizar un poco más en este tópico que llama la atención tanto de coleccionistas, como del público en general.
A simple vista las subastas de arte pueden parecer algo muy sencillo, se tiene la idea que simplemente una persona se encarga de organizar un evento en el que los asistentes pujan por las obras que les interesan hasta que se alcanza un precio que nadie puede superar, ¿verdad? Parecen eventos llenos de glamour (como los que organiza la casa de subastas Christie’s) que como llevan funcionando muchos siglos, todo el mundo está acostumbrado a su sistema. Sin embargo, lo cierto es que antes de que se diga ‘¡Vendido!’, hay mucho trabajo previo.
Las subastas de arte como las conocemos hoy en día comenzaron en el sector del arte en el siglo XVIII y son un negocio que gestionan transacciones millonarias todos los años. Están dirigidas por una persona a la que se conoce como subastador y se pueden llevar a cabo en cualquier lugar del mundo. Las personas interesadas en los productos que se van a subastar pueden estar presentes de manera física o a través de un representante y si lo desean pueden mantener su anonimato.
Organizar una subasta de arte no es algo que sucede de la noche a la mañana ya que precisa de un proceso que se planifica con muchos meses de antelación que usualmente sigue el siguiente sistema:
En cuanto a los artículos que se pueden subastar, hay un poco de todo. Los cuadros y pinturas tradicionalmente han sido las piezas estrella de las subastas de arte, pero cualquier cosa considerada como pieza de arte se puede llegar a subastar. De hecho, en la actualidad el auge del arte digital conocido como NFT ya ha llegado a cifras millonarias y está revolucionando esta industria.
Hay que recordar que siempre se pone un precio de salida en cada pieza artística, es decir, es la cantidad mínima que tendrán que pagar los coleccionistas si quieren llevarse a casa la obra. Pero en muchas ocasiones este precio inicial se ve ampliamente superado en la subasta ya que nadie puede predecir exactamente cuánto puede llegar a pagar un coleccionista millonario.
Aunque existen muchas casas de subastas en todo el mundo, sin lugar a dudas hay dos que destacan entre el resto:
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]]>Teniendo todo esto en cuenta, es relativamente normal que en el siglo XXI donde la era digital ha revolucionado prácticamente nuestra vida diaria de un día para otro (como por ejemplo las increíbles funcionalidades de los teléfonos móviles actuales que hace una década casi se podían considerar de ciencia ficción), la nueva tendencia sea el arte digital.
¿Arte digital? Sí, a día de hoy ya se puede hablar de esta tendencia que en muy poco tiempo ha pasado de ser algo totalmente desconocido, a vender piezas artísticas digitales por millones de dólares en cualquier parte del mundo.
¿Cómo puede ser que algo no tangible que solo se puede apreciar de manera digital y que no está relacionado con ninguna funcionalidad vinculada con el software, sino más bien con la expresión artística, pueda llegar a costar más de 69 millones de dólares? Este es el precio que se pagó por la obra ‘Everyday – The First 5000 days’ (Todos los días: los primeros 5.000 días) del artista Mike Winkelman.
Esto es una realidad gracias a los NFTs o también conocidos como Non-Fungible Tokens. Comencemos diciendo que un token es prácticamente cualquier cosa que puede estar circulando por internet, es decir no es algo físico, y que los usuarios le ponen un valor monetario. Estos activos digitales se autentifican y se codifican de manera única para certificar su origen gracias a la tecnología blockchain.
La tecnología blockchain es la misma que ha revolucionado a los inversores durante los últimos años gracias a criptomonedas como la popular Bitcoin. Pero en el caso de los NFTs, la mayoría pertenece al blockchain de Ethereum. Desde música hasta dibujos o cualquier cosa que aparezca en el mundo digital, todo se puede transformar en un NFT con esta tecnología para que los usuarios los puedan intercambiar.
Y cuando decimos cualquier cosa, realmente es cualquier cosa. Por ejemplo, el co-fundador de Twitter, Jack Dorsey, apareció en los titulares de muchos medios de comunicación hace unos meses ya que vendió por casi 3 millones de dólares el primer tweet que lanzó en este canal de redes sociales en el que están registrados millones de usuarios de todo el mundo. Por lo que el arte NFT que usa la tecnología blockchain verdaderamente puede ser cualquier cosa.
Este es uno de los debates más candentes en la actualidad. Para bastantes expertos los coleccionistas de arte digital, quienes muchos de ellos también invierten en criptomonedas o han hecho su fortuna gracias a ellas, están creando una burbuja digital con los criptoactivos al darle un valor excesivo a cosas que para otras personas no lo tienen, ya que no se trata de un tipo de arte tradicional que se pueda sentir o tocar.
Ahora bien, esta controversia también lleva varios años discutiéndose en relación a las criptomonedas y todavía siguen ahí generando millones de euros en inversiones a diario y cada día ganando terreno al sistema FIAT, a pesar de prohibiciones totalitarias como ocurrió recientemente en China.
Sea como sea, lo cierto es que el mercado está ahí y las principales casas de subastas del mundo ya están poniendo incluso más atención a este arte del siglo XXI, que al arte tradicional.
Para hacernos una idea de la cantidad de dinero que mueve el arte digital, veamos cuáles han sido hasta ahora algunos de los precios más caros de estos Non-Fungible Tokens.
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]]>Pero entre tantos artistas comprometidos socialmente gracias a sus obras de arte, destaca uno cuyas expresiones artísticas se venden en la actualidad por cientos de miles de euros: Banksy. Con relativa frecuencia, el nombre de este grafitero aparece en los medios de comunicación de todo el mundo ya que sus muestras artísticas no dejan indiferente a nadie. Pero, ¿quién es Banksy y por qué usa sus obras transgresoras para dar voz a los que no la tienen?
Aunque el nombre de Banksy ya era muy conocido en España durante la última década, fue en 2018 cuando un grafiti que apareció en Ferrol en el que se mostraba a dos guardias civiles besándose, cuando realmente comenzó a ser popular este artista en la sociedad española. Una conocida marca cervecera había animado al grafitero a usar una pared del barrio de Canido y de un día para otro, apareció esta forma artística callejera atribuida a Banksy.
Dejando a un lado la controversia de si se trata de un Banksy real o simplemente de una excelente estrategia comercial, lo cierto es que a día de hoy no se conoce su verdadera identidad. Lo único cierto es que es de origen británico y que la mayoría de sus piezas de arte aparecen en lugares públicos como en paredes de cualquier ciudad del mundo. Eso sí, sus pinturas tienen ciertos detalles característicos que hacen que sean reconocibles como un Banksy auténtico; aunque esto no es algo tan sencillo de demostrar como ha ocurrido en muchas ocasiones.
Las primeras muestras artísticas de Banksy comenzaron a aparecer en la década de 1990 en diferentes paredes y trenes de Bristol; una ciudad muy conocida en el Reino Unido por su arte callejero. Sin embargo, no fue hasta el comienzo del siglo XXI cuando empezó a crecer su popularidad en diferentes regiones del mundo al ir realizando sus grafitis con fuerte connotación social en otros lugares diferentes a su ciudad natal.
Durante años ha habido muchos rumores sobre su identidad e incluso algún periódico se ha aventurado a romper el anonimato de este artista callejero (como el The Mail on Sunday en 2008), pero todo ha quedado simplemente en rumores.
El primer dilema antes de hablar sobre sus grafitis y otras obras famosas de Banksy siempre ha sido confirmar su autoridad. Banksy se inició en el arte callejero bajo la influencia de un artista francés llamado ‘Blek le Rat’. Pero él simplemente fue su fuente de inspiración, ya que con los años ha creado su propio estilo característico que usualmente crea polémica al abordar temas sociales y políticos desde una perspectiva única.
Sus obras se han llegado a vender por más de un millón de euros y en algunas ocasiones, en el caso de los grafitis callejeros, aparece la discusión de quién es el dueño de la obra, ¿el propietario del edificio donde se realiza el grafiti?
Estas son algunas de sus obras artísticas mas conocidas:
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]]>Desde antes de la llegada de Colón a la región y de Hernán Cortés a México, se creaban cientos de detalles artísticos que demuestran la diversidad de las culturas prehispánicas. Y no solo de las más conocidas como la Azteca o la Maya, sino también de otras menos populares como la Olmeca o Huichol, por nombrar solo algunas de las decenas de culturas que han ofrecido sus piezas artísticas a la humanidad.
El controversial choque entre las culturas prehispánicas y europeas originó una nueva combinación de pinturas, accesorios, tejidos, esculturas, etc., que aumentó aún más la variedad artística en México.
Con estos antecedentes, es normal que los artistas mexicanos contemporáneos (desde inicios del siglo XX en adelante) se inspiraran en su historia para ofrecer al mundo obras atrevidas, coloridas, diversas y llenas de misticismo, basadas en el folclor popular que en la actualidad son exaltadas a nivel internacional.
Nadie pone en duda la calidad y creatividad de los pintores mexicanos del siglo XX, pero hay algo que la mayoría manifiesta en sus cuadros y murales: la complicada situación geopolítica que ha vivido el país desde su independencia en 1821. Parece ser que todos concuerdan en un compromiso social para mostrar la corta e intensa historia de México como nación independiente, al recrear los paisajes y situaciones de una época muy importante para el país norteamericano.
Entre los pintores mexicanos más importantes del siglo XX se encuentran:
Aunque solo hemos mencionado algunos de los pintores más importantes de México, tampoco debemos olvidarnos de otros artistas relacionados con otras expresiones artísticas muy importantes como la escultura, con nombres tan reconocidos como Germán Cueto, Juan Soriano o Francisco Goitia.
Todos estos artistas son una referencia para los artistas mexicanos del siglo XXI, sin embargo, estos creadores nuevos de México están ofreciendo otro tipo de obras que aunque siguen siendo muy creativas y coloridas, ya no están tan influenciadas por las situaciones sociales y políticas del pasado, sino más bien por las tendencias mundiales actuales.
Entre estas generaciones nuevas que buscan la admiración de sus obras desde una perspectiva diferente a la de sus antecesores, destacan:
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]]>Por eso, nos hemos reunido un grupo de expertos en esta industria para ofrecer un lugar donde se puedan leer detalles veraces sobre este sector. Además, al tratarse de un equipo experimentado, sabemos cómo hacer que nuestro contenido además de ser informativo, resulte fácil de entender usando el vocabulario preciso.
¿Te gustaría conocer un poco más sobre nuestra metodología de trabajo y por que esta plataforma debería convertirse en tu página de inicio? Solo tienes que seguir leyendo.
Somos conscientes que en ocasiones no es tan sencillo encontrar buena información sobre el arte. Por eso siempre usamos fuentes fidedignas sobre este sector, desde las últimas noticias de instituciones tan prestigiosas como el Museo del Prado, hasta opiniones de reputados especialistas en arte.
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